lunes, 30 de enero de 2017

Nelson Garrido publica fotolibro


Garrido ha creado un lenguaje iconográfico que mezcla religión, sexo, humor e imaginería popular. Violenta, irreverente, su obra se basa en una constante experimentación de medios expresivos y un profundo cuestionamiento del sistema de normas y creencias socialmente aceptado. La puesta en escena fotográfica es su punto de partida. Algunas constantes en su trabajo: la estética de lo feo, el erotismo –revisado en términos de sacrificio religioso– y la violencia como detonante de reacciones en el espectador.




http://esferacultural.com/sin-censura-sin-tapujos-nelson-garrido-publica-primer-libro/2564

http://www.revistadominical.com.ve/noticias/actualidad/obra-de-nelson-garrido-es-publicada-en-fotolibro.aspx

martes, 26 de julio de 2016

Fred Ward, el fotógrafo de los presidentes, estrellas del pop, piedras preciosas, muere a los 81 años. Por Matt Schudel

 




Fred Ward, que murió el 19 de julio de, 2016, fue un fotógrafo con sede en Washington que contribuyó con el Time, Newsweek, Life y National Geographic.

Fred Ward, un fotógrafo que capturó imágenes memorables de los funerales del presidente John F. Kennedy y el primer concierto de los Beatles de América y que recorrió el mundo en la asignación para la revista National Geographic, murió el 19 de julio en su casa en Malibú, California. Tenía 81 años.

Él tenía Alzheimer, dijo su esposa, Charlotte Ward. 

En su primer día en Washington, en 1962, el señor Ward aparcó su furgoneta Volkswagen en la entrada de la Casa Blanca, delimitada dentro y recogió sus credenciales como un fotógrafo de la agencia de fotografía Negro Estrella.

A menudo pasaba tiempo con Kennedy y su familia en la Casa Blanca, fotografiando el presidente en su silla mecedora o lanzar la primera bola en el Día de apertura de los Senadores de Washington. 

Cuando Kennedy fue asesinado el 22 de noviembre de 1963, el señor Ward capturó una imagen desgarradora de su viuda, Jacqueline, de regresar a Washington con la sangre de su marido apelmazado en sus piernas.


Un retrato de Fred retrato tomado en la universidad a finales de 1950.

Días después, el señor Ward interpretó a una primera dama solemne y sus dos hijos pequeños mientras observaban el ataúd del presidente caído dejar la Casa Blanca en el día de su funeral de estado. La fotografía en color apareció en la portada de la Vida revista.

 
Mr. Ward pasó a tener una carrera de rango notable. Una fotografía 1963 mostró defensor de los derechos civiles Gloria Richardson apartando el rifle con bayoneta de un casco de la Guardia Nacional durante una manifestación en Cambridge, Md. Hizo imágenes en color raros de primer concierto estadounidense de los Beatles, en el Washington Coliseum, en febrero de 1964. fotografió a Martin Luther king Jr. y Robert F. Kennedy antes de ser asesinados por asesinos en 1968.

Durante la década de 1970, el señor Ward pasó un tiempo en Cuba, compilando un libro de fotografías que incluían destellos reveladores del líder dictatorial del país, Fidel Castro.

Poco después de la renuncia del presidente Richard M. Nixon, el señor Ward tuvo acceso poco frecuente a la Casa Blanca y surgió con el libro de 1975 "Retrato de un presidente," un registro íntimo de los primeros días de Gerald R. Ford en la Casa Blanca.

"Fue realmente un gran fotógrafo profesional," David Hume Kennerly, fotógrafo oficial de la Casa Blanca de Ford, dijo en una entrevista. "Pasó cerca de tres meses con el presidente Ford, y tenía un increíble acceso. Se llevaban muy bien. la disposición de Fred era muy parecido a Ford ".

Uno de los colegas Negro Estrella del Sr. Ward, Dennis Brack, recordó un caso en el señor Ward tenía a dos minutos sesión de fotografía en 1973 con el líder soviético Leonid Brezhnev para Newsweek. Para comprobar la iluminación, el señor Ward puso fin a una prueba de tiro rápido Polaroid. Era obvio que Brezhnev y sus asistentes nunca habían visto una fotografía Polaroid, que tuvo sólo unos pocos segundos para el desarrollo.


La activista Gloria Richardson es empujada por la Guardia Nacional en Cambridge, Md., junio de 1963.

Mr. Ward dio por primera vez Brezhnev la foto, a continuación, hizo su parte para descongelar la Guerra Fría mediante la presentación de su cámara Polaroid con el líder soviético, la compra de unos minutos más para la sesión de retrato.

"Tener la presencia de ánimo para darle esa cámara," Brack recordó en una entrevista, "él era un tipo muy inteligente."

Frederick Ward, Newman nació el 16 de julio de 1935 en Huntsville, Alabama. Su padre era un empleado de correos, y la familia se trasladó a Miami en 1948.

En la escuela secundaria, uno de los maestros del Sr. Ward le permitió pedir prestada una cámara y le dio acceso a un cuarto oscuro. Cuando el señor Ward tenía una fotografía impresa en el papel, él sabía lo que quería hacer.

En la Universidad de Florida, estudió fotografía en su primer semestre, a continuación, según su familia, enseñó el curso en su segundo semestre. Se graduó en 1957 con una especialización en ciencias políticas y recibió una maestría en periodismo de la Florida en 1959.

Aunque todavía en la universidad, el señor Ward fotografió uno de los primeros conciertos de Elvis Presley en Miami. Con el fin de tomar fotografías bajo el agua, el señor Ward se convirtió en un buzo. Trabajó para una estación de televisión y enseñó en una universidad antes de venir a Washington.

Aprendió a pilotar un helicóptero para realizar fotografías aéreas, a menudo con una mano en la cámara y el otro en los controles. Volaría el helicóptero a su casa en Bethesda, Md., aterrizando en el patio delantero.

Además de publicar sus fotografías en Time, Life, Look, BusinessWeek y otras revistas, señor Ward era un profesional independiente prolífica para National Geographic, visitando más de 130 países de 1964 a 1992. Ha publicado más de 850 imágenes en la revista. (Más tarde se perdió una demanda de derechos de autor prolongado después de la National Geographic reproduce algunas de sus imágenes en forma digital.) 

Mr. Ward hizo varias historias para la revista sobre los diamantes y piedras preciosas, que le llevó a la fotografía la actriz Elizabeth Taylor, a la que más tarde describió como "la única persona en mi experiencia que nunca parpadeó cuando el flash se disparó!"

A partir de esas tareas, el señor Ward desarrolló una especialidad en piedras preciosas fotografiar, a veces mostrando su estructura interna bajo un microscopio, y se convirtió en un gemólogo certificado. Él junto a su esposa publicaron nueve libros sobre gemas y piedras preciosas.

También encontró tiempo para producir dos documentales sobre México y llegar a ser de los primeros usuarios de la infografía y fotografía digital antes de establecerse en California en 2004. Él nunca iba a ninguna parte sin una cámara, dijo su esposa.

Cuando muchos de sus compañeros fotógrafos desarrollaron especialidades en el retrato, rompiendo noticias o paisajes, el señor Ward parecía capaz de capturar todo el mundo a través de su visor.
"Me especializo en versatilidad", dijo una vez.

Fuente: https://www.washingtonpost.com/national/fred-ward-photographer-of-presidents-pop-stars-gemstones-dies-at-81/2016/07/23/3d780942-5030-11e6-a7d8-13d06b37f256_story.html?hpid=hp_hp-more-top-stories_no-name:homepage/story 

lunes, 25 de julio de 2016

La fotografía femenina en Venezuela

 

La fotografía femenina en Venezuela

La fotografía, tanto práctica como teóricamente, está despertando  en  las  mujeres,  un  interés  similar  al  que desde hace años suscita entre los hombres. Esta  afirmación  que  parece  tan  evidente,  habría resultado utópica en nuestro país durante el siglo XIX y principios del  XX  porque  dedicarse  plenamente  a  este tipo de trabajo no parecía propio de una dama. 

El  tan  discutido  problema  de  la  no  participación de la mujer en el mundo de la política, la ciencia, la economía y la cultura en general, se refleja también y de forma patente en la adopción de la fotografía como profesión. Mientras el aprendizaje del piano y otros instrumentos  musicales, el dibujo, la pintura,  las manualidades e  incluso la literatura eran actividades aceptadas para las mujeres del pasado siglo (nos referimos a las pertenecientes a los  grupos privilegiados), la fotografía no era vista como un oficio, sino apenas como una distracción, no muy adecuada al sexo femenino. Ello debido a sus características, por una parte, de movilidad –tan opuesta a  la  actitud pasiva exigida a la mujer por los cánones morales  de  la época–, y por otra, por el obligante contacto con el público, en el caso del género retratístico. 

La  imagen  de  la  mujer,  en  cambio,  fue  y sigue siendo el  modelo  ideal  de  los  fotógrafos  desde  los tiempos del daguerrotipo. En Venezuela, la mujer posa para los fotógrafos anónimos  de  los  inicios  de la  técnica  en  el  país  y luego  para  Federico  Lessmann,  para  Manrique  y Cía.,  para  O’Bríen  y  Pietri,  para  Henrique  Avril, para Luis Felipe Toro, entre otros, y de igual modo aparece también en la fotografía contemporánea. Sin  embargo, su  ingreso en  la  profesión  como sujeto es  muy lento, siendo las primeras fotógrafas venezolanas  más  compañeras  de  los  artistas  del momento que trabajadoras con autonomía propia. Por los datos  obtenidos  hasta  el  presente,  una de las primeras mujeres que hacen fotografía en la Venezuela de finales de  siglo,  es María  Lourdes Ugueto  de  Avril,  esposa  del  importante  fotógrafo Henrique Avril. María Lourdes comienza coloreando las imágenes de éste y  después  toma  la  cámara ella misma. Algunos de sus trabajos aparecen firmados con el  nombre  de  María  Avril,  pero  no  hemos encontrado  avisos  ni  notas  de  prensa  donde  se hable o se ofrezcan sus servicios fotográficos. El trabajo  de  María Lourdes Ugueto  pasa casi inadvertido en su tiempo, siendo casi ajeno para la prensa de entonces, que era el medio más utilizado por los profesionales para promocionarse. Las condiciones en  que  se  desarrolla la  labor de  María  Lourdes  Ugueto,  que  pueden  parecer casuales, toman otra   significación   cuando los comparamos  con las  informaciones relativas  a las bolivarenses Elodia Pinto de Solórzano, de Tumeremo, y Ada Vautray de Aristeguieta, de Ciudad Bolívar. Tales informaciones son proporcionadas por Rafael Pineda en su ensayo Cien años de fotografía en el Estado Bolívar (1), y en él habla de   cómo estas damas, compañeras de dos fotógrafos importantes de la zona, en la década de los Diez del presente siglo, realizan ocasionalmente este tipo de trabajo junto a sus cónyuges. En el caso  de   Elodia   Pinto,  la situación es todavía más interesante ya que ella utiliza la cámara de su esposo, Ramón Solórzano Gómez, y realiza  trabajos   que  éste firma  y  envía  a  las revistas caraqueñas. El Nuevo Diario del 31 de julio de 1914, nos permite saber  que  la  Escuela  de  Artes  y  Oficios  tenía  una cátedra   de   fotografía   destinada  sólo  a  mujeres y anuncia una exposición de trabajos fotográficos femeninos.  Falta  saber,  por  supuesto,  qué  enfoque  y posibilidades se les ofrecían a las participantes. Otro caso interesante es el que aporta la revista Actualidades, N-11, del 17 de marzo de 1918, en el que aparece publicada una toma hecha y firmada por la señora Soledad de Braun cuya descripción señala: “uno  de  los más  poéticos  rincones  de  Mi Rancho,  el  bello  cottage que  en  El  Paraíso  posee la  señora  viuda  de  Braun”.  Por  el  tema  de  esta fotografía, se podría pensar que en la mayoría de los  casos  captar  las  inmediaciones  de  su  hogar, resultaba para esos momentos un verdadero reto. 

Llama  la  atención  sin  embargo,  que  entretanto,  en otras  partes  del  mundo,  la  mujer  estaba  totalmente incorporada a esta actividad desde sus inicios. Por  tomar  únicamente  dos casos,  recordemos que  a  mediados  del  pasado  siglo  la  inglesa Julia Margaret Cameron, realiza una  notable  colección de retratos. Para la década de los Treinta de este siglo,  en  Estados  Unidos,  Dorothea  Lange hace un interesante trabajo de fotografía documental sobre  los  grupos  migratorios  en  Estados  Unidos, que  la  hacen  transportar  sus  instrumentos  de trabajo por las carreteras polvorientas de  la Unión.  Además, retrata  los  efectos  de  la  gran depresión económica del 29. En Venezuela y en otros países latinoamericanos, el análisis de este tema, en el siglo pasado y principios de éste, nos revela la dependencia femenina con respecto no  nada  más  al  hombre  sino  también  al  moralismo estricto de nuestras sociedades. Hablamos de otros  países  latinoamericanos ya que no es únicamente en Venezuela donde advertimos este panorama. En México, según Rita Eder escribe en El desarrollo de  temas  y   estilos de  la  fotografía  mexicana (2): “alrededor de 1890 surge quizás la única mujer que había abierto  un  estudio  fotográfico:  Natalia  Baquedano…”, hecho que coincidió, según la  autora, con un importante movimiento de emancipación femenina iniciado en 1885. 

La fotógrafa e historiadora cubana María Eugenia Haya, en su ensayo Apuntes para  una historia  de la fotografía en Cuba (3) no reseña la existencia de ninguna fotógrafa durante el tiempo al que nos hemos referido. Lamentablemente, hasta  ahora, no sabemos  de otros  estudios  a  los  cuales  acudir  para  indagar  cómo era la situación en otras naciones del continente. Podemos concluir que la fotografía como hecho visual,  pero  también  como  hecho  social,  refleja algo    más que formas y estilos de vida, permitiéndonos  reflexionar,  una  vez  más,  sobre hechos y situaciones que como éste de la marginalidad femenina,  en  casi  todos  los  campos de  la  vida  cotidiana,  forman  parte  de  la  historia de nuestra Latinoamérica. 

Este artículo fue publicado originalmente en el diario EL NACIONAL, Caracas, 23/11/1980, pág. A-5.
Créditos de la fotografía: “Paul and Virginia” por Julia Margaret Cameron, 1864. 

Citas:
1* Rafael Pineda. Cien años de fotografía en el Estado Bolívar, Galería de Arte Nacional, Caracas,1979-1980, págs. 6-8.
2* Rita  Eder,  “El  desarrollo  de  temas  y  estilos  en  la fotografía mexicana”,  En  Eugenia  Meyer  (ed.) IMAGEN HISTÓRICA  DE  LA  FOTOGRAFÍA  EN MÉXICO, Ciudad de México, Instituto Nacional de Antropología e Historia y Secretaría de Educación Pública, 1978, pág. 31.
3* Varios  autores. Historia de la fotografía cubana,  Casa  de  las Américas,  La Habana, 1979. 

domingo, 22 de mayo de 2016

Mujeres radicales: una deuda pendiente del arte. Por María Paula Zacharías

 

Viernes 20 de mayo de 2016 


Marie Orensanz Limitada 1978
En el campo del arte, las mujeres llevan décadas de desventaja. Un ejemplo: desde 1911 hasta hoy, sólo cuatro pintoras obtuvieron el Gran Premio en el Salón Nacional. Lo recibieron, en cambio, 99 hombres. En una recorrida por el primer piso del Museo Nacional de Bellas Artes, donde se pueden ver 268 piezas de arte argentino e internacional de 1900 a 1980, las mujeres son franca minoría: con 22 obras, arañan el 8%. 

Se podría decir que esto es algo del siglo pasado. Pero hoy las cosas no han cambiado mucho. Con sólo mirar con lápiz y papel el catálogo de arteBA 2015 se descubre que del total de artistas exhibidos sólo el 30% fueron mujeres: 42 galerías mostraron 202 artistas varones y 90 mujeres. Había una esperanza en el Barrio Joven del año pasado, donde los sexos de los artistas corrían parejos, 50% y 50%. Pero este año el sector emergente comparte un mismo porcentaje con la sección principal: 33% mujeres, 66% hombres. Exponen su obra 133 mujeres, y 222 hombres, sumando la Sección Principal y Barrio Joven.
Por eso, hay gente buscando en el pasado el legado de las artistas mujeres que pasaron al olvido sin pena ni gloria. A eso se dedican las historiadoras y curadoras Andrea Giunta y Cecilia Fajardo Hill: “En la larga historia de una presencia visible por la ausencia, las mujeres artistas han sido separadas de los espacios de formación y celebración del arte, sobre todo en el siglo XIX, y si bien en el siglo XX han modificado su representación ésta sigue siendo escandalosamente desproporcionada”, dice Giunta. Con el apoyo de la Fundación Getty, llevan adelante una investigación que ya tiene siete años, para lo que será la muestra Mujeres radicales, que se verá en el Hammer Museum como parte de la gran iniciativa LA/LA, que promete 50 muestras de arte latinoamericano en Los Ángeles durante 2017. Han brindado una importante cantidad de conferencias y seminarios, y mañana, a las 16, lo harán en el Open Forum de arteBA, con entrada libre y gratuita. “La discriminación de las mujeres en el mundo del arte es una operación encubierta de censura cultural”, dice Giunta. 

“Es un problema de todos, porque al cercenarse esa inmensa producción de sensibilidades desmarcadas del canon la sociedad está perdiendo la posibilidad de ampliar sus emociones y sus conceptos. La discriminación de las mujeres en el mundo del arte es una operación encubierta de censura cultural”, dice Giunta. 
 
“En los grandes relatos del arte latinoamericano, la mujer es grandemente invisibilizada o es presentada esterotípicamente o como cita a pie de página. Por ejemplo, se ha enfatizado la presencia de mujeres artistas en el surrealismo en figuras como Leonora Carrington, María Izquierdo, Frida Khalo, Raquel Forner y Remedios Varo, creando una suerte de territorio delimitado de clichés de lo irracional y lo barroco. En relación al arte conceptual latinoamericano, poquísimas mujeres son incluidas como protagonistas de sus lenguajes: Lygia Clark en Brasil, y Marta Minujín y Liliana Porter en Argentina son de las pocas. Nuestra exposición justamente muestra como muchísimas más mujeres participaron en la experimentación radical que forja los lenguajes del arte contemporáneo”, destaca Fajardo Hill. 

La exhibición será organizada por temas que dan cuenta de cómo a través de un cuerpo politizado se transformaron no sólo los lenguajes del arte, sino las formas de pensar y sentir el cuerpo, la sexualidad, la  maternidad, el espacio social, el lenguaje, y también se luchó en contra de la opresión de género, social y política. “La exposición reúne más de 100 artistas y analiza, en su estructura conceptual, hasta qué punto en estas obras se inauguró un cuerpo nuevo, que no tenía representaciones. Temas inherentes al mundo biológico de las mujeres irrumpieron en el mundo del arte, y cruzaron sus obras con el psicoanálisis, la sociología, la violencia, los afectos. Ellas producen un increíble giro iconográfico”, dice Giunta. 

La investigación tuvo detractores. Hay quienes señalan que las mujeres que se quejan “están enojadas” o que las muestras de mujeres son auto-discriminatorias. “Curadores amigos me dijeron que esta exposición nunca tenía que suceder; un famoso artista conceptual nos dijo que no podía asesorarnos porque no sabía nada del tema y que lo que había visto (por ejemplo, Judy Chicago) le parecía kitsch –explica Giunta–. También algunas pocas artistas se negaban en un principio a exponer en una muestra de mujeres, temerosas del descalificativo gueto. Pero pronto fue claro que se trata de una exposición histórica, que abarca entre 1960-1985 aproximadamente, y que aborda por qué muchas de esas obras estaban desaparecidas y cuáles son las razones para darles nueva vida”. 

Las directoras y curadoras de Hammer Museum son mujeres con agenda visibilizar a mujeres artistas, y la Getty ofreció un marco y recursos, y así se fueron sumando investigadores, artistas, curadores, coleccionistas y por eso será posible. “Esta muestra es una investigación de un capítulo de la historia del arte que no se ha escrito por prejuicio, falta de interés, y por patriarcalismo del sistema. Nos preguntamos, ¿dónde están las mujeres artistas? Y con espíritu investigativo, descubrimos una y otra vez que en toda América Latina hay mujeres artistas extraordinarias”, cuenta Fajardo. 

En la presentación de hoy en el Open Forum, estarán acompañadas por dos de las artistas que integrarán la muestra: la fotógrafa chilena Paz Errázuriz y la artista argentina radicada en París Marie Orenzans. “Permiten explorar dos zonas de la muestra. Aquella que tiene que ver con la representación de identidades en tránsito, travestis, travestidas, tal como hace Errázuriz en su serie La manzana de Adán, que realiza viviendo en un prostíbulo travesti en Chile, doblemente azotado por la marginalidad sexual y por la violencia militar. Marie Orensanz, por esa exquisita forma de abordar la palabra, el fragmento y a la vez el monumento. Ella es quien inscribe esa frase tan poética y política, Pensar es un hecho revolucionario, en uno de los monumentos del Parque de la Memoria. Un texto que elabora en París, en los 70 y que ha sido mal interpretado en un debate reciente. Aborda también el autorretrato, con un poder tan elocuente que su obra es la imagen con la que se promueve la exposición”, destaca Giunta. 

Paz Errázuriz
Paz Errázuriz 
 
Hay lentos vientos de cambio: retrospectivas como las de Mónica Mayer y Sarah Minter en el MUAC de Ciudad de México, y programas como los de Malba, MACBA y MAT de Buenos Aires, que apuntan directamente revalorizar artistas mujeres. ¿Qué se puede hacer al respecto? “Investigar artistas borradas, hacer exposiciones individuales de su obra, escribir artículos y libros, comprender sus contribuciones, e investigar intensamente los datos duros del mundo del arte, las estadísticas, en todas las esferas del circuito, porque desde allí se puede entender cómo se articula el poder que excluye del mundo del arte a aquellas artistas a las que la sociedad clasifica como mujer”, dice Giunta. “Aquellas a las que la sociedad clasifica como mujeres (sea cual sea su opción sexual) están representadas, con suerte, por el 30%. Aquellos a los que la sociedad clasifica como varones (sea cual sea su opción sexual) representan el 70% en  premios, galerías, colecciones, exposiciones y museos. El gusto dominante es patriarcal. Esto no es un problema de las mujeres, es un problema de todos, mujeres, varones, gays, lesbianas, cisgender y de quienes tengan cualquier otra opción sexual”, dice Giunta. Claro: la polaridad hombre/mujer también atrasa. 

LA/LA de la Fundación Getty: se trata de una gran iniciativa que promete 50 muestras de arte latinoamericano en Los Ángeles, en 2017. 

Cecilia Fajardo-Hill: doctora en historia y curadora de arte contemporáneo de origen venezolano-británico. Además de Mujeres radicales, está curando una muestra sobre abstracción post 90 en América Latina con la Space Collection junto con California State University Fullerton. 

Andrea Giunta: Doctora en Historia del Arte, escritora, curadora e investigadora, participa como asesora y autora en el catálogo de la exposición que RedCat dedica a la obra de León Ferrari, centrada en Palabras Ajenas, su libro de 1967, y como asesora y autora en la exposición sobre indigenismos en el Museo de Arte de San Diego. 

Publicado en La Nación, Cultura, 20/5/16. Link: http://www.lanacion.com.ar/1900556-las-mujeres-radicales-una-deuda-pendiente-del-arte

lunes, 16 de mayo de 2016

Andy Warhol, fotógrafo. Por Óscar Colorado

ANDY_WARHOL_FOTOGRAFO_1


Andy Warhol fue el artista posmoderno más importante del mundo: Sus trabajos fundamentales fueron posibles gracias a la fotografía.
Por Óscar Colorado Nates*
 

Casi el fin 


En 1968 Andy Warhol aún no se había convertido en uno de los artistas más importantes del siglo XX, pero iba en camino. Sus invasiones de los museos con la cultura popular habían tenido un éxito rotundo, tanto con el gran público como con la crítica especializada. The Factory, como había bautizado a su estudio, era un núcleo de celebridad. Sin embargo, convertido él mismo en un famoso, Andy Warhol estaba peligrosamente cerca de morir 
prematuramente. 

I SHOT ANDY WARHOL, Valerie Solanas (center), 1996, (c) Orion

Valerie Solanis, feminista radical y aspirante a escritora, disparó cuatro veces contra Andy Warhol el 3 de junio de 1968.[1] La atacante había aparecido en una de las películas de Warhol, quien se había negado a usar un guion escrito por Valerie. Ésta, enfurecida, atacó al artista. 

andy_warhol_shot_by_valerie_solanas 
Andy Warhol es subido a la camilla que lo transportaría al hospital tras recibir cuatro tiros. 

Warhol fue hospitalizado y, tras una cirugía de cinco horas, sobrevivió al ataque.[2] Con este acto, ella logró la atención que buscaba, pero las entidades feministas (incluyendo la National Organization for Women) se distanciaron y negaron tener algo que ver. Solanis admitió su crimen,[3] fue sentenciada a tres años de prisión; escribió un manifiesto misántropo titulado S.C.U.M. (Society for Culling Up Men).[4] Valerie fue diagnosticada, finalmente, con esquizofrenia.[5]
 

Este evento sirvió para la célebre serie de fotografías realizadas por Richard Avedon de Warhol mostrando sus heridas y se usó como base para la película I Shot Andy Warhol (1996) dirigida por Mary Harron y estelarizada por Lili Taylor.[6]
 
Richard Avedon. Andy Warhol.  
Richard Avedon. Andy Warhol. (1969) 

Hay quienes dicen que con este atentado terminó la época de oro de Andy Warhol y que su trabajo nunca alcanzó los niveles de aquellas latas de sopa de tomate Cambpell’s, las instalaciones con cajas de salsa Heinz o aquellas imágenes de un Elvis Presley encarnando el glamour del far west al estilo Hollywood. Pero realmente ocurría lo contrario: lo mejor estaba por venir. Al menos desde el terreno fotográfico. 

Obj. No. 85.453Photo No. 49516.CT.2 Andy Warhol (American, 1928-1987) Triple Elvis, 1963 Aluminum paint and printer’s ink silkscreened on canvas 82”H x 71”W 208 cm x 180.5 cm Image must be credited with the following collection and photo credit lines : Virginia Museum of Fine Arts, Richmond. Gift of Sydney and Frances Lewis. Photo: Katherine Wetzel © Virginia Museum of Fine Arts 
Andy Warhol. Triple Elvis, (1963)

Virginia Museum of Fine Arts, Richmond. Regalo de Sydney y Frances Lewis.
Foto por Katherine Wetzel © Virginia Museum of Fine Arts

warhol-elvis


1.    Andy Warhol, el artista más importante de la segunda mitad del siglo XX

a)    Primeros años

Andrew Warhola Jr. Nació en Pittsburgh (Pennsylvania) el 6 de agosto de 1928.[7] Los padres, Ondrej y Julia, procrearon tres hijos: Andy fue el más pequeño. Este matrimonio, de origen eslovaco, pertenecía a la clase trabajadora. 

Andy Warhol (a la derecha) de tres años con su madre Julia y su hermano John (izquierda) 
Andy Warhol (derecha) de tres años con su madre Julia y su hermano John (izquierda) 

Los Warhola residían en uno de los enclaves europeo-orientales en la industrial Pittsburgh y eran miembros activos de una comunidad católico-bizantina.[8a]
 
 
El benjamín de la familia contrajo, a los ocho años, la enfermedad de Huntington[8b], transtorno neuronal donde ciertas partes del cerebro se desgastan o degeneran y provoca movimientos involuntarios de las extremidades y, en algunos caos, demencia.[8c] Andy tuvo que guardar cama durante un año; mientras se recuperaba coleccionó imágenes de estrellas del cine y su madre le enseñó a dibujar. 

 
Ya recuperado, el pequeño estudió en la Holmes Elementary School y luego en la Schenley High School. No era una lumbrera: fue el número 51 de su generación.[9]
 
 
Ondrej Warhola, padre del futuro artista, detectó el talento del muchacho: Ahorró dinero suficiente para enviarlo a estudiar en la universidad. Esto que se dice rápido implicó dos grandes méritos para el padre: primero, el reconocer las dotes artísticas del hijo siendo él mismo un obrero de la construcción; y, en segundo lugar, el haber ahorrado de su modesto sueldo lo suficiente para enviar a su hijo a una de las universidades más importantes de Estados Unidos. 

young_andy_warhol_6 

Desgraciadamente en 1942, cuando Andy Warhol entró en el Carnegie Institute of Technology (hoy Carnegie Mellon University), murió su padre.

Andy tampoco lo tuvo fácil en la Universidad. Estuvo a punto de reprobar el primer año, pero logró hacer méritos para ser re-admitido.[10] El joven se graduó, finalmente, como Bachellor of Fine Arts (BFA) especializado en arte comercial. Fue el primer Warhola en tener un título universitario.

b)    New York, New York

Al graduarse, Andy abandona la “A” en Warhola[11] y se muda a Nueva York.[12]
 
Consiguió trabajo en la revista Glamour. Luego colaboraría también en Vogue y Harper’s Bazaar. En unos cuantos años el artista se convirtió en uno de los ilustradores más famosos y mejor pagados[13] de la ciudad gracias a su estilo caprichoso, dibujos con líneas fracturadas y uso de sellos de goma para crear sus láminas.[14]
 
 
A finales de la década de 1950, Warhol se interesa, crecientemente, en la pintura, pero sobre todo en la serigrafía. A principios de la década de 1960 el Pop Art florece en Inglaterra y Andy ayuda, hacia 1961, a que los estadounidenses aprecien esta nueva forma de expresión artística. 

c)    Pop Art
A mediadios de la década de 1950 el crítico inglés Lawrence Alloway bautiza con el término Pop Art a un nuevo movimiento de artistas provenientes del Reino Unido. Unos cuantos escritores, intelectuales, artistas y arquitectos se interesaron por el vocabulario de los medios de comunicación comerciales. Sin embargo el Pop Art despegó, imparable, en la ciudad de Nueva York, en Estados Unidos. Nombres como los de Roy Lichenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselmann o el propio Andy Warhol resuenan en todos los rincones artísticos de la Gran Manzana.[15]
 
Roy Lichtenstein 
Roy Lichtenstein 

Gracias al Pop Art, Nueva York se convierte en la nueva capital mundial del arte. “Desde la Costa Este de Estados Unidos, la ola del pop art no tardó en arrasar la vieja Europa y alcanzar especial resonancia en la mitad occidental de la Alemania dividida.”[16]
 
Pop Art 
Pop Art 

En el Pop Art, se borra la noción tradicional de Cultura (así con mayúscula) que distingue, claramente, entre Bellas Artes y expresiones populares. Comienza un momento en el que esa cultura pierde la mayúscula y gira de lo estético a lo antropológico. Es decir, hay una apreciación de la cultura como fenómeno social, una expresión del ser humano, más allá de una distinción elitista que separaba a cultos de ignorantes.[17]
 
Andy Warhol, Campbell's Soup II. (1969) 
Andy Warhol, Campbell’s Soup II. (1969) 

El mercado masivo y productos cotidianos como la Coca-Cola, la sopa enlatada Campbell’s, el detergente Brillo o la salsa de tomate Heinz se convierten en piezas de museo gracias a Warhol. 

 
Poco después se incluirían en los muros de las galerías otros rastros de la cultura popular, incluyendo a sus celebridades. Es un movimiento artístico que nutre y es nutrido por el mainstream
 .
American pop artist Andy Warhol (1928 - 1987) stands amid his towering Brillo box sculptures in the Stable Gallery (33 East 74th Street), New York, New York, April 21, 1964. (Photo by Fred W. McDarrah/Getty Images) 
Andy Warhol posa entre reproducciones de detergente Brillo en la Stable Gallery en Nueva York (1964) Foto por Fred W. McDarrah © Cortesía de Getty Images 

Warhol se hizo famoso, también, por sus frases y aforismos. En una ocasión dijo: “Cuando coges el pop, nunca vuelves a ver un letrero de la misma manera. Cuando piensas pop, América nunca vuelve a lucir igual.”[18]
 
Andy Warhol. Liz Taylor 
Andy Warhol. Liz Taylor 

Andy Warhol se convirtió en el augur del posmodernismo, el vidente del Pop. Estas pinturas “…con productos de consumo diario crearon un mogollón mayúsculo en el mundo artístico, que llevaron tanto a Warhol como al pop art a los reflectores internacionales por primera vez.”[19]
 
andy-warhol-liz

Este movimiento no es, ni con mucho, cosa del pasado. Klaus Honnef afirma que: “La pasión desatada por el pop art desde que los primero cuadros vieron la luz pública en pequeñas exposiciones no se ha enfriado. Muy al contrario, sigue creciendo.”[20a]
d)   The Factory
Andy Warhol inaugura en 1962 The Factory, su estudio de arte. Se convierte en el epicentro del arte pop neoyorkino. Alrededor de The Factory gravitan estrellas del cine y la televisión, musas variopintas, músicos… Todos provocan, o se convierten, en pinturas o serigrafías.
photo by bob adelman Andy-Warhol-The-Silver-Factory-60s-12
The Factory es el espacio para la filmación de docenas de películas experimentales. Entre 1963 y 1968 Warhol creó casi 650 filmes[20b] entre los que destacan Empire (1964), My Hustler (1965) o The Chelsea Girls (1966). 

 
Es una época que marca las obsesiones que Andy Warhol mantendría, y alimentaría, el resto de su vida: la celebridad, la muerte, la cultura de consumo, el color, la reproducción mecánica, el ritmo y la repetición. 

 
Warhol era un animal social voraz donde todo era más cool porque en su mundo habitaban gentes más que guay: Estaban John Lennon y Yoko Ono, Karl Lagerfeld y Carolina Herrera, Mick y Bianca Jagger, Truman Capote y Giorgio Armani, Liza Minelli y Muhammad Alí…[21]
 
 
 
Sin embargo, Warhol también era un ser social porque se interesaba y amaba el misterio humano con su capacidad de trascender desde la máxima vulnerabilidad hasta el poder mítico.[22] Una vez dijo: “Nunca he conocido a una persona a la que no hubiera podido calificarla de bella.”[23]
Haga clic en el infográfico para agrandar: 
 
9obras_warhol_12000xb

2.    Andy Warhol, fotógrafo

Andy Warhol abordó lo mismo ilustración que serigrafía, cine, pintura, escultura o performance. En muchas de sus expresiones artísticas empleó la fotografía como punto de partida.
Recordemos el famoso caso de la Marilyn Monroe multicolor que tiene como origen una fotografía de Gene Korman.[24]
Curiosamente, todavía hoy, las piezas de la serie de Marilyn Monroe es una de las series más codiciadas de Warhol.[25]  Este no es el único caso: ya en el inicio de su carrera como ilustrador comercial, este enfant terrible del posmodernismo se basaba en la fotografía desde una época bastante temprana de sus carrera. 

andy_warhol_marilyn_monroe 
Andy Warhol. De la serie Marilyn Monroe (1967) 

Gene Korman. Marilyn Monroe. Fotografía promocional para la pelicula "Niágara" (1953) 
Gene Korman. Marilyn Monroe. Fotografía promocional para la pelicula “Niágara” (1953) 

Sin embargo, no siempre se ha apreciado la fotografía de Andy Warhol como una expresión artística en sí misma. Ciertamente, en muchas ocasiones usaba una fotografía para luego terminar con otra obra de arte (una serigrafía, por ejemplo). Pero existen elementos que brindan a las fotografías de Warhol suficientes puntos dignos de subrayarse y que invitan a un análisis más minucioso.

a)    Inicios fotográficos

La fascinación de Andy Warhol por la fotografía inició cuando recibió su primera cámara a los nueve años. [26] “En la década de 1960, mientras trabajaba como artista comercial en Nueva York, Warhol atestiguó, de primera mano, la creciente popularidad de la fotografía en los medios impresos. En su diario llegó a escribir «No creo en el arte, creo en la fotografía.»”[27]
 
Andy_Warhol_audrey_hepburn_154.jpg 
Andy Warhol. Audrey Hepburn 

La fotografía siempre fue una parte fundamental en la obra de Warhol, incluso en sus primeros días como ilustrador. Como dice Mia Tramz “A pesar de que sus fotografías han estado en los reflectores durante décadas, mucho está en las sombras, aún por ver la luz.”[28] Como dice Alastair Sook, la fotografía siempre estuvo muy cerca del corazón de Andy.[29]
 
Andy Warhol. Cher.  
Andy Warhol. Cher. 

Peter Hay Alpert reconoce que, aunque durante muchos años se ha sabido de la faceta fotográfica de Warhol, con algunas excepciones, nunca ha recibido mayor atención: “…siempre han sido vistas como un medio para un fin.”[30]
 
Andy Warhol. De la serie "Sewn Photographs" 
Andy Warhol. De la serie “Sewn Photographs” 

Y es que, al principio, la fotografía sí tuvo un papel utilitario en la vida artística de Andy Warhol.

b)    La fotografía utilitaria de Warhol

Lo primero que habría que tener en mente es que buena parte de la reflexión intelectual y artística de Andy Warhol tenían que ver con la producción mecanizada y masificada de bienes. Así como la cámara fue vista y entendida como máquina en el modernismo, e incluso artistas como Alexander Rodchenko se consideraban obreros de la imagen, en el Pop Art también subyace esta percepción de la máquina y sus posibilidades de reproducibilidad técnicas, como lo recuerda Walter Benjamin en su ensayo clásico. 

andy_warhol_36 
Andy Warhol. Miguel Bosé. 

“La naturaleza mecánica de la fotografía era perfecta para la metodología Pop de Warhol.”[31]
 
andy_warhol_29

En los primeros momentos del Pop Art, Warhol coqueteó con las posibilidades de la fotografía como vehículo de masificación y base iconográfica de la celebridad. Si Mathew Brady había sido un precursor de la fascinación fotográfica por la celebridad, Warhol elevaría a mítica la imagen fotográfica de iconos como Pelé, Michael Jackson o Mao Tse-Tung. En todos los casos, la fotografía era la materia prima básica para las serigrafías de Warhol. 


Al principio, Andy Warhol se apropiaba de imágenes que obtenía de anuncios o publicadas en periódicos. Eventualmente comenzó a trabajar sus propias fotografías debido a litigios sobre propiedad intelectual: Aunque había tenido suerte al usar las imágenes de Marilyn Monroe o el diseño de la sopa Campbell’s, acabó demandado por Patricia Caufield debido al uso de Warhol de una inocente imagen de inocentes flores de hibisco realizada por la fotógrafa.[32]
 
Patricia Caulfield. Hibiscus Flowers. 
Patricia Caulfield. Hibiscus Flowers. 

Gerard Malanga, asistente de Warhol explica que “Andy se dio cuenta que debía ser muy cuidadoso acerca de la apropiación por miedo a ser demandado nuevamente. Optó por hacer sus propias fotografías.[33]
 
Andy Warhol. Hibiscus 
Andy Warhol. Hibiscus 

Además de la necesidad de evitar nuevo litigio, la cámara se convirtió en la  compañera permanente de Warhol que le servía, a un tiempo, de diario y cuaderno de bocetos.[34]
 
andy-warhol-marilyn

Por supuesto que muchas de estas fotografías se convirtieron en la base para serigrafías, dibujos y retratos hechos bajo comisión.[35]
 
stephen_shore_factory_andy_warhol_11

En aquella época su modus operandi fotográfico consistía en tirar varios rollos de película y luego entregarlos a Brigid Berlin, una de las superstars en The Factory para que llevara a procesar la película. De las hojas de contacto, Warhol seleccionaba cuáles se imprimirían. Se realizaba únicamente una pieza de la ampliación en papel.[36]

c)    Andy Warhol ¿Fotógrafo documental?

Probablemente lo último que venga a la mente cuando se piensa en las fotografías de Warhol sea el género documental. Sin embargo, Andy registraba, fotográficamente, todo a su paso.
Andy Warhol 
Andy Warhol 

“Al iniciar la década de 1960, Warhol cargaba con una cámara todo el tiempo, documentando todos los aspectos de su vida, desde los más públicos a los más privados, de lo fabuloso a lo mundano.”[37]
Andy hacía unas 36 fotografías diariamente. “Capturaba los detalles cotidianos, la gente, escenas callejeras, fiestas de celebridades, interiores, paisajes urbanos o letreros: todos eran sujetos que reflejaban la característica indiferencia a jerarquía del artista.”[38]
 
Andy Warhol 
Andy Warhol 

Esta actitud de registro obsesivo no era exclusiva de la fotografía. También hacía grabaciones en cinta magnetofónica en forma de dictado y coleccionaba objetos propios de su momento en lo que llamó sus Cápsulas de Tiempo.[39]
 
Andy Warhol. Pat Cleveland (1970) 
Andy Warhol. Pat Cleveland (1970) 

Resulta muy interesante entender esta cara documental de la fotografía de Warhol como un medio para entender qué pensaba, qué miraba, qué cosas llamaban su atención.[40]
Estas son fotografías que van de lo cuidado a lo puramente mundano. Y eso es, precisamente, lo que le otorga ese sentido de frescura y espontaneidad a estas imágenes capturadas por Warhol y que son un documento sobre la vida y días del artista.[41]

d)    Las célebres polaroids de famosos

Hacia 1962, Andy Warhol compró su primera cámara Polaroid. Al principio realizó muchos estudios anatómicos, los cuales abandonó rápidamente.
polaroid_big_shot 
Polaroid Big Shot. Fotografía cortesía de © Ivan Lo 

Hacia 1970-71 compró una Polaroid Big Shot: La herramienta ideal para expresarse.

 
Aunque Warhol usó otras cámaras y formatos fotográficos a lo largo de su vida artística, la Polaroid fue siempre su instrumento preferido.[42]
 
Cámara de focal fija y con flash incorporado, la Big Shot era una cámara para realizar primeros planos. El único ajuste requerido era enfocar al sujeto. 

 
Al principio estas imágenes las utilizaba el artista como estudios previos. Warhol se las mostraba al sujeto, seleccionaban alguna pose que les parecía adecuada y, entonces, se volvía a fotografiar pero en 35mm. Luego se imprimían en acetatos de ocho por diez pulgadas y se ampliaban hasta un cuadro de cuarenta pulgadas por lado en preparación para la serigrafía[43]

chris_stein_debbie_harry_andy_warhol 
Warhol hace una foto con su Polaroid Big Shot de Debbie Harry, cantante de “Blondie”.  Foto © Chris Stein 

debbie_harry_andy_warholRevisión de las polaroids para decidir las tomas finales en 35mm. debbie_harry_andy_warhol_1980_35mm_bw 

Andy Warhol. Debbie Harry (1980). Una vez hecha la Polaroid, Warhol hacía las fotos finales en 35mm (en blanco y negro) que luego utilizaría para crear la serigrafía, técnica que permitía diferentes combinaciones y posibilidades cromáticas, lo que promovía la idea de producción industrial en la obra artística de Andy.  

 
Warhol no veía, al menos en aquel momento, a las polaroids como trabajos autónomos. Eran una herramienta que le permitiría realizar una obra de arte como él la visualizaba. El propio artista decía que su cámara Polaroid era su “lápiz y papel” para realizar bocetos.[44]
 
Por supuesto que muchas de estas fotografías nunca se convertían en una serigrafía “…pero el artista las conservaba como capturas experimentales e íntimas que preservaba en sus archivos.”[45]
 
Warhol_prints_744

Existe una paradoja interesante en las Polaroid de Warhol. Este artista reflexionaba sobre el carácter de reproducibilidad del medio fotográfico.

Warhol_photos_718 

Las serigrafías de Warhol podían ser reproducidas, potencialmente, tanto como se hubiera querido. Esta mera noción desafiaba aquella visión modernista que valoraba el carácter único de la pieza artística, el famoso concepto de “aura” de Walter Benjamin.[46] Pero, irónicamente, las Polaroid de Warhol se han convertido en piezas sumamente apreciadas precisamente porque el proceso fotográfico instantáneo carece de negativo[47]: son piezas únicas. Solamente se pueden reproducir haciéndoles otra foto. Pero son imágenes auto-contenidas, cuyas características morfológicas (tamaño, textura, brillo, color) son tan distintivas como las de una pintura. No es difícil imaginar a un mismo coleccionista atesorando un cuadro de Van Gogh y una serie de polaroids de Warhol.

e)    Las polaroids de Warhol: Celebridad al alcance de la mano

Otra característica que ha convertido a las polaroids de Warhol en objetos de arte tan fascinantes, son la cercanía que ofrecen con los notables del deporte, el espectáculo o el arte. 

andy_warhol_jack_nicholson65 
Andy Warhol. Jack Nicholson 

Warhol estaba obsesionado con la notoriedad y generó un extraño círculo simbiótico. Algunos sujetos de sus fotografías podían ser meramente notorias, como Grace Jones, que eventualmente pasarían de moda. Sin embargo, el propio Warhol se daba importancia gracias a la cercanía con figuras como las de Diana Ross, Audrey Hepburn, Truman Capote o Paloma Picasso e incontables luceros, refulgentes soles que gravitaban en el espacio interestelar de Warhol. 

andy_warhol_Joan_Collins_1985_FA04_04768_22 
Andy Warhol. Joan Collins 

Estas figuras, tan lejanas de la vida cotidiana, son puestas por Warhol al alcance de los mortales. 

andy_warhol_jon_lennon_and_yoko_ono_1971 
Andy Warhol. John Lennon y Yoko Ono 

De nuevo, la obra de Warhol nos plantea una paradoja: el artista se configura en el sacralizador de lo mundano cuando lleva las cajas de detergente o las imágenes de sopa enlatada al museo, y pone al alcance del gran público a los semi-dioses que son transportados de la pantalla de plata a las diminutas polaroids. 


Ahí, en un pequeño objeto con marco blanco, se encuentran atrapados Stallone o Schwarzenneger, Carolina de Mónaco o Dennis Hopper…

andy_warhol34 
Andy Warhol. Sylvester Stallone 

Son retratos  cercanos, on the face, como les llaman los angloparlantes. No son imágenes retocadas ni pulidas. Incluso son tomas que podrían considerarse horribles por usar aquella luz frontal, dura que todo lo aplana y que favorece tan poco al rostro humano. Cada Polaroid es una fascinante puerta al mundo de Warhol, donde Mick Jagger está, literalmente, al alcance de la mano. 

Truman Capote 
Andy Warhol. Truman Capote 

“Las polaroids agregan una nueva dimensión al genio de Warhol que navega por la fama con simpleza. Son recuerdos personales que se convierten en reliquias…” [48]

f)      Fotografías en 35mm y B/N

Andy Warhol compró, en 1976, una cámara point & shoot Minox modelo 35EL de 35mm. 

andy_warhol_minox_35el 
Andy Warhol con su cámara Minox 35EL 

Con ella siguió documentando su vida de manera incansable. Fue un punto de inflexión importante: la fotografía dejaba de ser un medio accesorio para convertirse en un sistema de expresión indispensable para Warhol.[49]
 
andy_warhol_Keith_Haring_in_Montauk_19842 
Andy Warhol. Keith Haring 

Andy prefería el tamaño diminuto de la Minox en comparación con otras marcas como Leica, Nikon o Canon. Fue tan importante para Warhol este cambio que incluso casi reemplazó a su Polaroid SX-70. Era una cámara automática y Warhol no tenía que preocuparse por nada. Cada vez que extraviaba o estropeaba una de sus Minox 35EL mandaba a uno de sus asistentes a comprar otra.[50]
 
Eventualmente Warhol también adoptó una cámara Chinon 35F-MA porque incorporaba un flash y luego también usó una Konica C35EF.[51]
 
andy_warhol_halstonforweb2 
Andy Warhol. 

Andy siguió utilizando su Polaroid para el trabajo en estudio y cuando deseaba crear la base para algún retrato  de encargo en serigrafía. Sin embargo la fotografía en blanco y negro de 35mm le dio la posibilidad de registrar las actividades fuera del estudio, su vida nocturna, viajes y actividades urbanas.[52]
“Las fotografías en blanco y negro de Andy Warhol deambulan entre el álbum familiar y las fotos de los paparazzi. Warhol captura íconos en su condición más humana y ambigua…”[53]
 
andy_warhol_street_1970 
Andy Warhol. 

Se ha dicho que esta fotografía en blanco y negro, mucho más personal y con menos dosis de celebrités es la más cautivante[54]: los objetos y personas de la cotidianidad resultan, al final del día, un recordatorio más profundo de lo que realmente importa en la vida, un recordatorio de las palabras escritas en el libro del Eclesiastés: “Vanidad de vanidades, todo es vanidad.”[55]
 
andy_warhol_buildings_1976 
Andy Warhol. 

Un primer vistazo al cuerpo fotográfico, en 35mm, de Warhol nos apunta a una primera decisión: son en blanco y negro. Esto es interesante, pues se trataba de una época en la que importaba la reivindicación del color en el medio fotográfico. Uno de los grandes propulsores del cromatismo, Stephen Shore, había merodeado en sus años mozos por The Factory. Esto, que podría parecer una obviedad, no lo es: Warhol elige una estética para sus imágenes fotográficas en 35mm. 

Hay dos grandes temas abordados por Warhol: el círculo social y la cotidianidad.
Círculo social
Un buen número de las fotografías de Warhol en 35mm están dedicadas a su vida social, desde lo más íntimo a lo más público. En lo íntimo, Warhol brinda pistas sobre la sexualidad en sus tomas donde puede apreciarse el binomio camas-corporeidad. 

andy_warhol_basquiat 
Andy Warhol. Jean-Michel Basquiat 

Existe una esfera más amplia, la doméstica. Aquí aparecen sus amigos cercanos: Keith Haring, Jean-Michel Baquiat, Truman Capote, Bianca Jagger. Esta última es capturada en una escena mientras se afeita la axila. 

andy_warhol_bianca_jagger_1977 
Andy Warhol. Bianca Jagger 

¿Cabría imaginar una escena más propia del círculo cercanísimo de amistades para permitir que le fotografíen a uno mientras pasa un rastrillo por la axila con el auricular del teléfono en el muslo?

Y está, desde luego, el gran corpus de vida social amplia. Warhol realiza una fotografía social profusa, glamorosa. Es la toma cándida, lúdica que se permiten los seres nocturnos después de más copas (y quién sabe qué mas) de lo debido. Son tomas que deambulan entre la sensualidad y lo lúdico. Nuevamente el desfile de nombres alucina: Sting, Bruce Springsteen, Bill Murray, Cher, Dustin Hoffman, Elizabeth Taylor, Gene Hackman… Son imágenes que atestiguan hasta qué grado es Andy Warhol un party animal

Cotidianidad
Y, en la esfera totalmente opuesta, se encuentra el otro gran tema fotográfico de Warhol: la cotidianidad. Algunas de las imágenes están realizadas en espacios públicos. 

andy_warhol_People On Escalators, 1984

Se puede adivinar alguna relación ínter-textual con Robert Frank, pero muy especialmente con otro genio fotográfico posmoderno: Lee Friedlander. Estas fotografías tienen un descuido formal evidente. Sus sujetos son banales. Nada más alejado de las fiestas a las que asiste Warhol o las guaridas nocturnas como el Studio 54. La fotografía de calle por Andy es de una ordinariez casi espeluznante.


Hay otro aspecto mucho más pulido desde el punto de vista fotográfico: las naturalezas muertas. En estas tomas existe un cuidado mucho más grande de los elementos formales propios de la fotografía. La composición es tan armónica como deliberada. Se cuida el contraste. 


Podemos observar elementos de ritmo/repetición; existe una noción de escalaridad. De estas fotografías destaca aquella que muestra una charola con el desayuno. Es una fotografía que, en su cotidianidad, resulta cautivadora. La luz es espectacular y, en su desorden, es una imagen extrañamente bien resuelta. 

andy_warhol_111

g)    Andy Warhol, ritmo, patrones y repetición: sus fotografías “cosidas”

A mediados de la década de 1970 Warhol comenzó a experimentar con lo que dio en llamarse la sewn photographs (fotografías cosidas).[56] Se trataba de varias imágenes (a veces en juegos de cuatro, seis o doce ampliaciones) que conformaban una retícula que mantenían la repetición y seriación de sus serigrafías. 

AD07185_0

Las fotografías que componen cada retícula fueron valoradas y escogidas por Warhol en el contexto de su valor como unidades para la repetición. Warhol escoge imágenes contrastadas, complejas y orgánicas. 

AD07188_0

Luego está el elemento de intervención, la punción de la fotografía por la aguja de la máquina de coser y el rastro del hilo que Warhol deja a la vista como una cicatriz que no le interesa ocultar. En algunas, como la de Jerry Hall, juega con la variación en la exposición fotográfica. 

andy-warhol-jerry-hall-reclining-couch-1976-1987-six-silver-gelatin-prints-stitched-thread 
Andy Warhol. Jerry Hall. De la serie “Sewn Photographs” 

En 1987 se exhibían estas fotografías cosidas en la Robert Miller Gallery de Nueva York. Un par de meses tras la inauguración de la muestra murió Andy Warhol. Se encontraron junto a su máquina de coser pilas de imágenes que, presumiblemente, esperaban ser unidas. En 2014 la Andy Warhol Foundation comisión el cosido final de estas fotos.[57]
 
Andy_Warhol__Stitched_Meadow_l

“El formato reticular usado por Warhol para organizar estas fotografías evoca el aspecto mecánico de la hoja de contactos y, más inmediatamente, sus serigrafías tempranas […] Al ver una y otra vez estas imágenes, notamos un juego abstracto de contrastes blanco y negro así como patrones formales –las líneas angulars en la calle, las aceras, las barras de las bicicletas, por ejemplo…”[58]
 
andy_warhol_baby_in_stroller_1976-86

Estas disposiciones reticulares recuerdan el trabajo de los alemanes Bernd y Hilla Becher. Se trata de un planteamiento gráfico que niega la autonomía de la imagen aislada para convertirla en una serie interconectada, una secuencia. [59]
 
artist_rooms__trash_cans_by_andy_warhol

La retícula y repetición en Warhol se convierte en ese acopio estructurado de fracciones. Se trata, para Kevin Lynch de un “patrón de experiencias”.[60] Cada imagen se conecta con las demás. 

I_am_blind-Andy Warhol-stitched_photographs-1976-86

h)    Autorretratos

En la obra fotográfica de Andy Warhol es fundamental abordar sus autorretratos. De toda su obra, su serigrafìa Autorretrato Púrpura se vendió en $32,6 millones de dólares durante una subasta en Sotheby’s. Warhol comenzó a realizar autorretratos en 1963.[61]
 
warhol-purple-fright-wig_32millones_dlls_sothebys

Resulta interesante que, de todas las piezas que hizo durante su vida de celebridades, su propia imagen se haya convertido en la más codiciada por el mundo del arte.

warhol-blue-large_trans++SFXWNnhoSSUDZbpG8a9LxBS7UM6jxGSJQhNHHt2E2NA

Anthony Barzilay Freund de la casa Sotheby’s explica que: “Andy Warhol pasó la mayor parte de su vida refinando la imagen que presentaba de sí mismo al mundo. Tanto en el linezo como en su altamente calculada persona pública, creó una mística tan compleja y atractiva como la de las celebriades que fotografiaba, plsmaba en serigrafía o pintaba.”[62] El rostro de Warhol es tan famoso como desconocido. 

andy_warhol_31

En Warhol, más que auto-representaciones, se convierten en una nueva táctica para generar máscaras. Así como Warhol se dedicó casi toda su vida a crear un antifaz de celebridad frívola y superficial, el artista utilizó caretas para esconder su verdadero yo detrás de maquillaje y pelucas. Estas representaciones drag son, para Ted Mann, “…punzantes testamentos de la vulnerabilidad y exposición [de Warhol]…”[63]

Existe una tipología mínima que podríamos establecer con los autorretratos warholianos: las piezas como referencia/base para otras obras de arte, los gestos, el memento mori, la auto-representación diseñada y el travestismo.
Piezas referenciales
Estas fotografías son similares a las Polaroid. En algunos casos incluso están en el formato instantáneo, en otras en 35mm a color. Se trata de las imágenes que servirán como base para generar una pintura o una serigrafía. Es el tipo de fotografías con las que Warhol crea el mencionado Autorretrato Púrpura.
 
andy_warhol_30
andy_warhol_purple
Gestos
Existe una noción de la propia imagen aún en niños pequeños. Esto se agudiza con la edad y la auto-consciencia. De modo que todos buscamos poner, frente a la cámara, nuestra mejor cara. Un ejemplo muy claro es la clásica fotografía que se usa para el perfil de Facebook o de cualquier otra red social. 

Sin embargo, hay un conjunto de fotografías donde Warhol aparece, intencionalmente, haciendo muecas incluso grotescas. Son autorretratos que contradicen en buena medida esa búsqueda de Andy por forjarse un antifaz social.
Memento mori
Después de la celebridad, la segunda obsesión de Andy Warhol era la muerte. Tuvo numerosas premoniciones falsas de su muerte. Desde luego que el episodio del atentado contra su vida fue un hecho de la máxima importancia para su historia personal. Entre sus autorretratos llaman la atención esas polaroids donde el artista se muestra con un cráneo humano falso. ¿Actitud Hamletiana? 

andy_warhol_3

De todas las visiones mortales que tuvo Warhol, ni él mismo pudo adivinar que moriría en las condiciones más inesperadas, durante la noche debido a un paro cardio-respiratorio tras una cirugía de vesícula, aparentemente inocua. Andy Warhol tenia 59 años.[64]
 
andy_warhol_54_autorretrato

Estas polaroid memento mori son también imágenes referenciales para una obra artística posterior. 

andy_warhol_skull
Auto-representación diseñada
Así como aparecen aquellos autorretratos con muecas, hay otro tipo de imagen donde Warhol adopta toda suerte de poses para generar una imagen idealizada, aspiracional. Es el tipo de fotografía que anticipa a las selfies del siglo XXI.

Travestismo
La ambivalencia intimidad/figura pública, realidad/invención que prevalece en los retratos de Warhol se lleva a un extremo en sus autorretratos, especialmente cuando aparece travestido. Bajo ninguna circunstancia puede hacerse pasar este artista por mujer. Las pelucas y el maquillaje resultan inútiles. Es una máscara que a Warhol simplemente no se le ajusta. 

andy_warhol_16
Warhol, profeta del Instagram
Warhol se adelantó más de 20 años a la aparición de Instagram, fenómeno en la era de la conectividad que ha propulsado de manera inimaginable la producción fotográfica en general, y el autorretrato (en esta época denominado selfie). 

Resulta muy interesante cómo Warhol convierte a su fotografía en un con su incesante gesto de comunicación; se tratan de marcas biográficas, eso que hoy –en el marco de la postfotografía- Joan Fontcuberta entiende más que documentos como “divertimentos”, es decir, “explosiones vitales de autoafirmación.”[65]
 
andy_warhol_dogs_in_raincoats_1985

Esta actitud de Warhol conforma un precedente importante para una generación entera armada con cámaras incorporadas al Smartphone y permanentemente intercontectados. 

Warhol, al igual que ocurre con la selfie de hoy estaba menos interesado en revelarse a sí mismo que en presentarse con una máscara, que cuidadosamente fabricó para aparentar una personalidad superficial y vacía. Sin embargo, en sus imágenes, sus características masculinas son pobremente disfrazadas detrás de pelucas y maquillaje. 

andy_warhol_autorretrato_99

Warhol Vivía el espíritu del Instagram.[66] Paul Lester afirma que “Si Andy Warhol viviera hoy sería totalmente digital. Después de todo, él incorporó todas las formas y medios de su tiempo -grabó conversaciones durante las comidas y las convirtió en artículos para la revista Interview; dirigió películas avantgarde, videos de música y cortos para el Saturday Night Live; hizo Polaroids de los ricos y famosos para sus pinturas; usó cámaras point & shoot para documentar los momentos más mundanos de su colorida vida.”[67] Tal vez Andy Warhol era un millenial sin saberlo. 

andy_warhol_fridge_112

Pero las fotos que hacía Warhol no eran creadas para que se “viralizaran”, ni para conseguir likes instantáneos. “La curiosidad de Warhol le llevaba a realizar más fotografías que condensaban su intimidad y cercanía con los sujetos. La ubicuidad de su Polaroid le permitía confinar en un pequeño cuadro fotográfico todo el estatus, fama y glamour. De algún modo, figuras como las de Audrey Hepburn o Debbie Harry se volvían más humanas y accesibles a través de la lente de Warhol.”[68]
 
andy_warhol_shadows_1978_112

La crudeza de sus autorretratos y de sus fotografías en general son una separación, una escisión con las imágenes “filtradas” de hoy. “…el flash que rebota a un Nicholson fuera de foco y a media frase; una pareja sentada desnuda mientras sonríe a la cámara; Julie Warhola, madre de Andy, con un cuchillo y una manzana en una habitación desordenada…”[69]
 
Mientras que la vida entera de Warhol parecía una mega-construcción para el auto-bombo, sus autorretratos son exactamente lo contrario. Lo convierten en un individuo vulnerable y que expone todas sus imperfecciones.[70]

i)      Legado fotográfico

Warhol fue un fotógrafo obsesivo. Se calcula que el artista realizó más de 100.000[71] fotografías entre 1977 y 1987, muchas de ellas con su Polaroid SX70 (que Polaroid mantuvo en producción precisamente para Warhol).[72]
 
Warhol_prints_743

Aún queda una tarea titánica por delante para clasificar los centenares de miles de fotografías producidas por Andy Warhol. Sin embargo, uno de sus legados más importantes fue contribuir para abrir un camino, junto con grandes como William Eggleston, Nan Goldin o Stephen Shore, para que la fotografía fuera considerada una forma de arte digna de formar parte de las galerías, casas de subasta y el gran mundo del Arte (así, con mayúsculas).[73]

A manera de conclusión

No cabe duda de la importancia de Andy Warhol como el artista más importante de la segunda mitad del siglo XX. Rivalizado únicamente por Pablo Picasso, este humilde joven de Pittsburgh conquistó al mundo entero con su talento gráfico, pero también con una personalidad cuyo núcleo era la obsesión por la fama. Probablemente ni siquiera el propio Warhol podría haber imaginado que se convertiría, en un ícono que estaría a la altura, y en algunos casos incluso superaría, de aquellos rostros inolvidables que rodearon su vida.
andy-warhol-paparazzi

Quizá Andy no consideró a la fotografía como su medio prevalente de creación artística. Sin embargo, existe una paradoja: Sin fotografía es inconcebible el gran corpus artístico de Warhol. Se trata de una relación ambivalente que marca, como suele ocurrir con todas las facetas del arte posmoderno, tanto a sus imágenes fotográficas como la propia vida de Ondrej Warhola Jr.

* Óscar Colorado Nates es Profesor/Investigador titular de la Cátedra de Fotografía Avanzada en la Universidad Panamericana (Ciudad de México).
Es autor de los libros:
  • Ideas Decisivas: 800 reflexiones fotográficas (2a. Edición)
  • Fotografía 3.0 Y después de la Postfotografía ¿Qué?
  • Instagram, el ojo del mundo
  • Fotografía de documentalismo social
  • Fotografía Artística Contemporánea
  • El Mejor Fotógrafo del Mundo.
Columnista en el periódico El Universal (Cd. de México).
Editor y Director General de la revista fotográfica MIRADAS.
Co-fundador de la Sociedad Mexicana de Daguerrotipia y miembro de The Photographic Historical Society (Rochester, NY).
Las opiniones vertidas en los artículos son personales y no reflejan necesariamente las posturas de la Universidad Panamericana.
© 2016 by Óscar Colorado Nates. Todos los Derechos Reservados. Esta publicación se realizan sin fines de lucro y con fines de investigación, enseñanza y/o crítica académica, artística y científica.

Fuentes de investigación

Bibliografía

  • Fontcuberta Joan, La cámara de Pandora, Gustavo Gili, Barcelona, 2010
  • Honnef Klaus, Pop Art, Taschen, Colonia, 2006
  • Souter Gerry, Andy Warhol, Advanced Marketing, México, 2013

Fuentes de Internet


Notas

[1] Bio. Andy Warhol. Painter, Filmmaker (1928-1987). Disponible en http://www.biography.com/people/andy-warhol-9523875 Consultada el 8 de mayo de 2016
[2] Frank Faso, Martin McLaughlin, Henry Richard. Andy Warhol is shot by Valerie Solanas in 1968. Disponible en http://www.nydailynews.com/new-york/nyc-crime/andy-warhol-shot-valerie-solanas-1968-article-1.2235937 Consultada el 9 de mayo de 2016
[3] Frank Faso, Martin McLaughlin, Henry Richard. Andy Warhol is shot by Valerie Solanas in 1968. Disponible en http://www.nydailynews.com/new-york/nyc-crime/andy-warhol-shot-valerie-solanas-1968-article-1.2235937 Consultada el 9 de mayo de 2016
[4] G. Jessica, According to vAlerie Solanas, Jezebles Are S.C.U.M. Disponible en http://jezebel.com/5012710/according-to-valerie-solanas-jezebels-are-scum Consultada el 10 de mayo de 2016
[5] Latson Jennifer. This is Why a Radical Playwright Shot Andy Warhol. Disponible en http://time.com/3901488/andy-warhol-valerie-solanas/ Consultada el 9 de mayo de 2016
[6] Ebert Roger, I shot Andy Warhol. Disponible en http://www.rogerebert.com/reviews/i-shot-andy-warhol-1996 Consultada el 10 de mayo de 2016
[7] Varnier College, Andy Warhol Photographer Gallery. Disponible en http://micromedia.vaniercollege.qc.ca/home/1340570/multimedia/andy_warhol_gallery.php Consultada el 8 de mayo de 2016
[8a] Bio. Andy Warhol. Painter, Filmmaker (1928-1987). Disponible en http://www.biography.com/people/andy-warhol-9523875 Consultada el 8 de mayo de 2016
[8b] También conocida como Corea de Huntington o Mal de San Vito.
[8c] MedlinePlus. Enfermedad de Huntington. Disponible en https://www.nlm.nih.gov/medlineplus/spanish/ency/article/000770.htm Consultada el 10 de mayo de 2016
[9] The Andy Warhol Family Album. Biografía. Disponible en http://www.warhola.com/biography.html Consultada el 10 de mayo de 2016
[10] The Andy Warhol Family Album. Biografía. Disponible en http://www.warhola.com/biography.html Consultada el 10 de mayo de 2016
[11] “Wharhol” le parecía más fácil de pronunciar y recordar que “Warhola”.
[12] Study.com, Andy Warhol: Biografphy, Paintings & Photography. Disponible en http://study.com/academy/lesson/andy-warhol-biography-paintings-photography.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[13] The Art Story, Andy Warhol. American Draftsman, Filmmaker, Painter, and Printmaker. Disponible en http://www.theartstory.org/artist-warhol-andy.htm Consultada el 9 de mayo de 2016
[14] Bio. Andy Warhol. Painter, Filmmaker (1928-1987). Disponible en http://www.biography.com/people/andy-warhol-9523875 Consultada el 8 de mayo de 2016
[15] Honnef Klaus, Pop Art, Ed. Taschen, Colonia, 2006, Pág. 6
[16] Ibídem
[17] Varnier College, Andy Warhol Photographer Gallery. Disponible en http://micromedia.vaniercollege.qc.ca/home/1340570/multimedia/andy_warhol_gallery.php Consultada el 8 de mayo de 2016
[18] Bio. Andy Warhol. Painter, Filmmaker (1928-1987). Disponible en http://www.biography.com/people/andy-warhol-9523875 Consultada el 8 de mayo de 2016
[19] Bio. Andy Warhol. Painter, Filmmaker (1928-1987). Disponible en http://www.biography.com/people/andy-warhol-9523875 Consultada el 8 de mayo de 2016
[20a] Honnef Klaus, Pop Art, Taschen, Colonia, 2006, Pág. 6
[20b] Whitney Museum of American Art, Andy Warhol Film Project. Disponible en http://whitney.org/Research/AndyWarholFilmProject Consultada el 10 de mayo de 2016
[21] Huffpost, Andy Warhol’s Photographs: From Celebrity Busts To Personal Snapshots (PHOTOS). Disponible en http://www.huffingtonpost.com/2012/04/04/andy-warhols-photographs-_n_1293600.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[22] Huffpost, Andy Warhol’s Photographs: From Celebrity Busts To Personal Snapshots (PHOTOS). Disponible en http://www.huffingtonpost.com/2012/04/04/andy-warhols-photographs-_n_1293600.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[23] The University of Arizona Museum of Art. Beauties: The Photography of Andy Warhol. Disponible en http://www.artmuseum.arizona.edu/events/event/beauties-photography-andy-warhol Consultada el 8 de mayo de 2016
[24] Lombardo Monique, Is Taht You Marilyn? Disponible en https://moniquelombardo.wordpress.com/2015/08/19/is-that-you-marilyn/ Consultada el 9 de mayo de 2016
[25] Sotheby’s, 21 Facts About Andy Warhol. Disponible en http://www.sothebys.com/en/news-video/blogs/all-blogs/21-days-of-andy-warhol/2013/11/andy-warhol-facts-21-days.html Consultada el 10 de mayo de 2016
[26] Study.com, Andy Warhol: Biografphy, Paintings & Photography. Disponible en http://study.com/academy/lesson/andy-warhol-biography-paintings-photography.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[27] The Photographer’s Gallery. Exhibition notes for teachers. Andy Warhol: Photographs 1976-1987. Disponible en http://thephotographersgallery.org.uk/images/ANDY_WARHOL_PHOTOGRAPHS_1976___1987jm__1__52d911566334a.pdf Consultaada el 8 de mayo de 2016
[28] Tramz Mia, Andy’s World: Rare Photographs From Warhol’s Own Camera. Disponible en http://time.com/3802187/andys-world-rare-photographs-from-warhols-own-camera/ Consultada el 8 de mayo de 2016
[29] Sooke Alastair, Andy Warhol, Willaim Burroughs, David Lync, Photographer’s Gallery, review. Disponible en http://www.telegraph.co.uk/culture/art/art-reviews/10579029/Andy-Warhol-William-Burroughs-David-Lynch-Photographers-Gallery-review.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[30] Hay Alpert Peter, Andy Warhol’s Polaroids: Instant fame. Disponible en http://www.phhfineart.com/articles/warhol.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[31] Hay Alpert Peter, Andy Warhol’s Polaroids: Instant fame. Disponible en http://www.phhfineart.com/articles/warhol.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[32] Communit Arts Center. To Steal or Not to Seteal: Has Appropriation Ruined Creativity? Disponible en http://communityartscenter.net/2015/05/to-steal-or-not-to-steal-has-appropriation-ruined-creativity/ Consultada el 9 de mayo de 2016
[33] Revolver Gallery. Andy Warhol and the art of appropriation. Disponible en http://revolverwarholgallery.com/andy-warhol-art-appropriation/ Consultada el 9 de mayo de 2016
[34] Agonistica. Andy Warhol Photographer: Polaroids. Disponible en http://agonistica.com/andy-warhol-polaroids/ Consultada el 8 de mayo de 2016
[35] The Andy warhol Foundation for the Visual Arts. Photography Legacy. Disponible en http://warholfoundation.org/legacy/photographic.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[36] Tramz Mia, Andy’s World: Rare Photographs From Warhol’s Own Camera. Disponible en http://time.com/3802187/andys-world-rare-photographs-from-warhols-own-camera/ Consultada el 8 de mayo de 2016
[37] Tramz Mia, Andy’s World: Rare Photographs From Warhol’s Own Camera. Disponible en http://time.com/3802187/andys-world-rare-photographs-from-warhols-own-camera/ Consultada el 8 de mayo de 2016
[38] The Photographer’s Gallery, Andy Warhol: Photographers 1976-1987. Disponible en http://thephotographersgallery.org.uk/photographs-1976-1987 Consultada el 8 de mayo de 2016
[39] The Photographer’s Gallery. Exhibition notes for teachers. Andy Warhol: Photographs 1976-1987. Disponible en http://thephotographersgallery.org.uk/images/ANDY_WARHOL_PHOTOGRAPHS_1976___1987jm__1__52d911566334a.pdf Consultaada el 8 de mayo de 2016
[40] The Photographer’s Gallery. Exhibition notes for teachers. Andy Warhol: Photographs 1976-1987. Disponible en http://thephotographersgallery.org.uk/images/ANDY_WARHOL_PHOTOGRAPHS_1976___1987jm__1__52d911566334a.pdf Consultaada el 8 de mayo de 2016
[41] Sooke Alastair, Andy Warhol, Willaim Burroughs, David Lync, Photographer’s Gallery, review. Disponible en http://www.telegraph.co.uk/culture/art/art-reviews/10579029/Andy-Warhol-William-Burroughs-David-Lynch-Photographers-Gallery-review.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[42] Varnier College, Andy Warhol Photographer Gallery. Disponible en http://micromedia.vaniercollege.qc.ca/home/1340570/multimedia/andy_warhol_gallery.php Consultada el 8 de mayo de 2016
[43] Hay Alpert Peter, Andy Warhol’s Polaroids: Instant fame. Disponible en http://www.phhfineart.com/articles/warhol.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[44] Centenary College of Louisiana, Rare Andy Warhol Photography Collection Displayed at Meadous Museum of ARt at Centenary College Beginning Nov. 2 Disponible en http://www.centenary.edu/news/2008/0000133 Consultada el 8 de mayo de 2016
[45] Mann Ted, Andy Warhol Self-Portrait in Drag. Disponible en http://www.guggenheim.org/artwork/15490 Consultada el 8 de mayo de 2016
[46] Atlas Walter Benjamin. Aura. Disponible en http://www.circulobellasartes.com/benjamin/termino.php?id=21 Consultada el 10 de mayo de 2016
[47] Danziger Gallery, Andy Warhol: Photographer. March 1- April 21, 2012. Disponible en http://www.danzigergallery.com/exhibition/andy-warhol-photographer/3 Consultada el 8 de mayo de 2016
[48] Huffpost, Andy Warhol’s Photographs: From Celebrity Busts To Personal Snapshots (PHOTOS). Disponible en http://www.huffingtonpost.com/2012/04/04/andy-warhols-photographs-_n_1293600.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[49] The Photographer’s Gallery. Exhibition notes for teachers. Andy Warhol: Photographs 1976-1987. Disponible en http://thephotographersgallery.org.uk/images/ANDY_WARHOL_PHOTOGRAPHS_1976___1987jm__1__52d911566334a.pdf Consultada el 8 de mayo de 2016
[50] Jonas Mekas, Tonight: ‘Andy Warhol’s Street Diary: Photographs 1981-86,’ at Deborah Bell Photographs. Disponible en http://jonasmekas.com/diary/?p=687 Consultada el 9 de mayo de 2016
[51] Lee JJ, Andy Warhol’s cameras. Disponible en http://theshuttergoesclick.blogspot.mx/2010/07/andy-warhols-cameras.html Consultada el 9 de mayo de 2016
[52] RISD Museum. Andy Warhol’s Photographs. Disponible en http://risdmuseum.org/manual/andy_warhols_photographs Consultada el 9 de mayo de 2016
[53] Huffpost, Andy Warhol’s Photographs: From Celebrity Busts To Personal Snapshots (PHOTOS). Disponible en http://www.huffingtonpost.com/2012/04/04/andy-warhols-photographs-_n_1293600.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[54] Wright State University. I Am a Camera: Photography of Andy Warhol. Disponible en https://www.wright.edu/events/i-am-camera-photography-andy-warhol Consultada el 8 de mayo de 2016
[55] Qo 1:2
[56] The Warhol: Traveling Exibitions. Stitched Togheter: Andy Warhol’s Sewn Photographs. Disponible en http://www.warhol.org/uploadedFiles/Warhol_Site/Warhol_Responsive/Pages/whatson/exhibitions/EX_20100907_TE_Sewn.pdf Consultada el 9 de mayo de 2016
[57] Stedelijk. Andy Warhol 11 Augo 2015. Disponible en http://www.stedelijk.nl/en/exhibitions/collection/now-on-view/andy-warhol Consultada el 9 de mayo de 2016
[58] Whitney Mueum of American Art. Andy Warhol Untitled (Cyclist) c. 1976. Disponible en http://collection.whitney.org/object/9216 Consultada el 9 de mayo de 2016, Pos. 3881
[59] Emerling Jae, Photography History and Theory, (Edición Kindle) Edit. Routledge, New York, 2012,
[60] Stimson Blake, The Photographic Comportment of Bernd and Hilla Becher, Disponible enhttp://www.tate.org.uk/research/publications/tate-papers/photographic-comportment-bernd-and-hilla-becher Consultada el 9 de mayo de 2016
[61] Kamholz Roger, Andy Warhol and the Fright Wigh Self-Portraits. Disponible en http://www.sothebys.com/en/news-video/blogs/all-blogs/21-days-of-andy-warhol/2013/11/andy-warhol-self-portrait-fright-wig.html Consultada el 10 de mayo de 2016
[62] Barzilay Freund Anthony, Andy Warhol and the Self-Portrait. Disponible en http://www.sothebys.com/en/news-video/blogs/all-blogs/21-days-of-andy-warhol/2013/10/andy-warhol-self-portraits.html Consultada el 10 de mayo de 2016
[63] Mann Ted, Andy Warhol Self-Portrait in Drag. Disponible en http://www.guggenheim.org/artwork/15490 Consultada el 8 de mayo de 2016
[64] Montagut Albert, Murió Andy Warhol, el nombre propio del arte ‘pop’. Disponible en http://elpais.com/diario/1987/02/23/cultura/541033206_850215.html Consultada el 10 de mayo de 2016
[65] Fontcuberta Joan, La cámara de Pandora, Edit. Gustavo Gili, Barcelona, 2010, Pág. 29
[66] Sooke Alastair, Andy Warhol, Willaim Burroughs, David Lync, Photographer’s Gallery, review. Disponible en http://www.telegraph.co.uk/culture/art/art-reviews/10579029/Andy-Warhol-William-Burroughs-David-Lynch-Photographers-Gallery-review.html Consultada el 8 de mayo de 2016
[67] Laster Paul, Andy Warhol’s Best (and Most Bizarre!) Photos. Disponible en http://flavorwire.com/277750/famous-and-offbeat-pictures-by-andy-warhol-photographer Consultada el 8 de mayo de 2016
[68] Whitney Erin, With a Polaroid Camera, Andy warhol Was ‘The Original Instagrammer’ Disponible en http://www.huffingtonpost.com/entry/andy-warhol-polaroids-instagram_us_55e0c19fe4b0c818f617ef16 Consultada el 8 de mayo de 2016
[69] Whitney Erin, With a Polaroid Camera, Andy warhol Was ‘The Original Instagrammer’ Disponible en http://www.huffingtonpost.com/entry/andy-warhol-polaroids-instagram_us_55e0c19fe4b0c818f617ef16 Consultada el 8 de mayo de 2016
[70] Whitney Erin, With a Polaroid Camera, Andy warhol Was ‘The Original Instagrammer’ Disponible en http://www.huffingtonpost.com/entry/andy-warhol-polaroids-instagram_us_55e0c19fe4b0c818f617ef16 Consultada el 8 de mayo de 2016
[71] Centenary College of Louisiana, Rare Andy Warhol Photography Collection Displayed at Meadous Museum of ARt at Centenary College Beginning Nov. 2 Disponible en http://www.centenary.edu/news/2008/0000133 Consultada el 8 de mayo de 2016
[72] Wright State University. I Am a Camera: Photography of Andy Warhol. Disponible en https://www.wright.edu/events/i-am-camera-photography-andy-warhol Consultada el 8 de mayo de 2016
[73] The Photographer’s Gallery. Exhibition notes for teachers. Andy Warhol: Photographs 1976-1987. Disponible en http://thephotographersgallery.org.uk/images/ANDY_WARHOL_PHOTOGRAPHS_1976___1987jm__1__52d911566334a.pdf Consultada el 8 de mayo de 2016

Información legal: Todas las fotografías se presentan sin fines de lucro y con propósitos de enseñanza e investigación científica bajo lo previsto en la legislación vigente por conducto de los tratados internacionales en materia de derechos de autor. Consulte en este enlace el aviso legal respecto del uso de imágenes fijas, video y audio en este sitio. Los íconos utilizados en este sitio son cortesía de www.flaticon.com
Fair Use Notice: 150px-Fair_use_logo.svgThe presentation in this blog of photographs, movies, recordings or written material is used for purposes of criticism, comment, news reporting, teaching and/or research, and as such, it qualifies as fair use  as forseen at 17 U.S. Code § 107 and it is not an infringement of copyright. For more information, please check the following link with our Legal Notice regarding copyright.